FOREST SWORDS EN PLAYGROUND

La música de Forest Swords suena a lágrimas arrastradas por una tormenta

El productor inglés aterriza en Barcelona de la mano del ciclo DNIT; antes, hablamos con él de su directo, su último trabajo, “Engravings”, y sus influencias visuales e históricas

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La relación entre la creación musical y el espacio físico y geográfico que la acoge siempre ha despertado interés, tanto para los oyentes como para los propios creadores (musicales o arquitectónicos).
Los ejemplos de ciudades y escenas o géneros vinculados en el mismo momento histórico son incontables y archiconocidos, desde el Chicago house al sonido Madchester;
Bristol y el trip hop en los noventa o el dubstep purpúreo en los dosmiles.
Pero ¿qué ocurre cuando desplazas el punto geográfico hasta un paraje remoto? ¿Qué ocurre cuando aíslas el fenómeno en un solo creador musical? ¿Qué pasa cuando en la intersección sonido-espacio sólo hay dos variables?
“Engravings”, el último trabajo de Forest Swords, puede responder a estas preguntas. En un lado de la gráfica está Matthew Barnes, el hombre tras el proyecto, un joven diseñador gráfico que ya había maravillado a crítica y afición con sus primeros trabajos, demostrando una capacidad abrumadora para evocar lo ancestral a través de lo moderno. En el otro eje se encuentra Wirral, de donde es oriundo Barnes. Una pequeña localidad cercana a Liverpool y, sin embargo, aislada de la urbe por el estuario del río Mersey, en el centro de una península que mira al mar de Irlanda.
“Engravings” no sólo refleja la historia y tradición de la región, que Barnes estuvo estudiando por su cuenta durante la creación de estas canciones, sino que ha sido mezclado, portátil mediante y a cuenta de la autonomía de la batería, en Thurstaston Hill. El enclave acoge asentamientos de tribus celtas y pobladores bretones, vikingos o nórdicos, y también infinidad de leyendas. Entre ellas, la de la roca de Thor (y de ahí uno de los cortes más notables del álbum, “Thor’s Stone”).
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Este atavismo sonoro y la ubicuidad estilística de Forest Swords -la discografía de Barnes está plagada de referencias a Morricone, pero también al dub más etéreo, al post rock más electrónico o a la línea estilística de Tri Angle- convierten su música en un desafío para la linealidad espacio-tiempo. Esta atemporalidad, sumada al cuidado detalle que su originador presta al envoltorio visual de la propuesta convierten su directo en una de las golosinas más apetecibles que presentará el ciclo DNIT esta temporada. Que Mogwai haya elegido a Barnes como telonero de varios de sus shows en Europa corrobora su valía. Y antes de que aterrice en CaixaForum el próximo día 28 de febrero hemos querido charlar con el propio Barnes sobre su directo, sus influencias visuales o la imperiosa necesidad de delegar ciertos aspectos creativos o la presión de ser uno de los productores mejor valorados del último lustro.

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Vienes de haber girado por Europa teloneando a Mogwai. ¿Cómo ha sido la experiencia? ¿Te has sentido cómodo tocando para los fans de Mogwai?

Ha sido una experiencia tan gratificante como terrorífica. He sido fan de la banda desde mi adolescencia, así que me pidieran que les teloneara en este tour ha sido muy halagador, pero también me daba mucho miedo. Los conciertos eran en salas muy grandes, sitios en los que no estoy acostumbrado a tocar. He podido verlos tocar noche tras noche y siempre han estado increíbles. En cuanto a sus fans, han sido muy educados, atentos y entusiastas. He sentido que tocaba para un tipo de público totalmente nuevo, gente que no está al tanto del tipo de música que yo hago.

Y ahora vas a girar por Estados Unidos por primera vez acompañando a How To Dress Well. ¿Vas a cambiar o adaptar tu directo de alguna manera para ese tipo de audiencia?

No creo que cambie mucho, de todas formas mi directo suena diferente cada noche. Toco con un bajista y siempre hablamos de las cosas que han funcionado y las que no, o de lo que no nos ha gustado. Tocar en directo es todo un proceso de aprendizaje, siempre está variando. La verdad es que tengo muchas ganas de tocar en Estados Unidos, no tengo ni idea de qué esperar.

¿Cómo escoges la parte visual de tu directo? Quiero decir, tú te encargas de todo el diseño de tu proyecto (portadas, web, etc.) pero son aspectos estáticos. Para el directo, ¿cómo intentas conectar la parte visual con la audiencia y con la música?

Trabajo con un director de Liverpool, Sam Weihl, y hemos colaborado en los visuales y las imágenes en movimiento de mi directo. A veces, él se encarga de la parte visual sin mi ayuda. Yo quería que toda esta parte fuera muy humana y física, casi como una película, más que ese tipo de animación digital tan asociado a los directos de electrónica. Era muy importante para mí que esas visuales unieran los puntos entre la música que hago, cómo quiero que la gente se sienta y la experiencia de un directo.

Desde “Dagger Paths”, todo lo que has hecho ha tenido buenísima acogida. Parece que tienes el don de no sentir la presión externa, como si estuvieras blindado. ¿Cómo lo consigues?

Soy muy autocrítico, así que la presión externa me importa menos que nada. Siempre va a ser menor que el tipo de estrés que yo mismo me autoinflinjo. De esta manera, neutralizo cualquier presión externa. También me he dado cuenta de que no puedes gustarle a todo el mundo, todo lo que puedo hacer es seguir mi camino, hacer mi movida a mi rollo y esperar que la gente conecte con mi música en algún momento.

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Has comentado algunas veces que eres un freak del control y del DIY. En “Engravings”, has hecho todo, desde el artwork hasta la mezcla y el mastering. Dado que no hay otras personas involucradas en el proceso creativo, ¿cómo disciernes cuándo algo está realmente acabado y listo?

Es un punto al que es difícil llegar y, en ocasiones, sólo viene dado por la práctica. Normalmente necesitaría algo como una fecha de entrega o alguien diciéndome “esto tiene que estar hecho ya”. Pero, en realidad, viene dado por la experiencia. Ahora que soy un poco más mayor reconozco cuándo una canción está terminada o cuándo no necesita más trabajo. Sé de un montón de artistas solistas a los que esto les cuesta. Es un proceso de madurez.

Creo que eres el único artista conocido que ha mezclado su trabajo “en exteriores” y me parece muy interesante, coger la tecnología disponible (tu portátil) y llevártela en medio de un paraje natural para construir algo. ¿Cómo se te ocurrió la idea?

Había pasado muchísimo tiempo encerrado haciendo el disco y solo quería salir ahí fuera, bajo la luz natural, y que me diera el aire. El sitio en el que vivo tiene unas vistas fantásticas, así que pensé que quería aprovecharlas al máximo y acabar el disco en ese ambiente. Ocurrió bastante rápido. Cambió un poco mi perspectiva de la música y me hizo ver con más claridad algunos de los sonidos y las texturas, así que definitivamente el disco suena diferente porque decidí mezclarlo fuera. Me ha sido muy útil, así que seguramente vuelva a repetir el proceso en el futuro.

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He estado leyendo cosas del lugar en el que vives, Wirral, y Thurstaston Hill (el paraje donde el disco fue mezclado) y las raíces celtas del lugar. Es bastante similar al sitio en el que yo vivo, Galicia: mal tiempo, acantilados, asentamientos celtas… La gente aquí tiene una conexión especial con las antiguas tradiciones paganas. Es algo casi místico y me preguntaba si a ti te ocurre algo similar (algo así como un inherente orgullo autóctono de sus raíces celtas) porque se puede palpar algo así escuchando “Engravings”…

Mientras estaba haciendo “Engravings” me empezó a interesar la historia del lugar de donde vengo. Es algo que no nos enseñan en el colegio, y ahora que tengo veintitantos, quería descubrir más cosas al respecto e intentar sacar algo de inspiración de ahí. La verdad es que me siento mucho más cómodo viviendo allí desde que he aprendido parte de la historia del lugar. Te conecta con la gente que ha vivido ahí a lo largo de los años. Puedes verlo y sentirlo con mucha más claridad, algo así como vibraciones antiguas. Así que traté de usar algo de eso cuando estaba haciendo el disco.

Si el entorno natural ha sido tan crucial para este álbum, vas a necesitas otro entorno diferente para hacer otro disco. ¿Cuál será ese entorno y cómo sonará ese disco? ¿Estás pensando ya en nuevos sitios para hacer nueva música?

Sí, ya estoy en ello. Tengo mucha curiosidad de cómo sería hacer música en una gran ciudad porque nunca lo he intentado antes. Pero no estoy seguro de cuál será y cómo sonará, o cuánto tiempo me va a llevar ponerme a ello.

Más allá de esta inspiración natural, tú has mencionado que el diseño y la fotografía son parte fundamental de tu inspiración musical. ¿Qué fotógrafos, diseñadores, pintores te han inspirado a la hora de crear “Engravings”?

La verdad, ahora que recuerdo el proceso de creación de “Engravings”, estaba más interesado en artistas de performance que en pintores o diseñadores. Definitivamente me sentí más conectado con este tipo de artistas, supongo que porque trabajan en una dimensión diferente a la que yo estoy acostumbrado a trabajar. Vi una exposición genial de John Cage, y me flipó el trabajo de gente como Joseph Beuys y Vito Acconci. En lo que a diseñadores y fotógrafos se refiere, no hubo ninguno en particular, pero mientras estaba haciendo “Engravings” empecé a colgar imágenes que encontraba en libros, revistas o internet en la pared y que me inspiraban. Casi como un álbum de recuerdos visual. Luego esas imágenes se integraron con los sonidos y las texturas que escogía.

El video de “Thor’s Stone” es una maravilla. Pero, al revisar los créditos, no encuentro tu nombre en ningún lado. Siendo tan controlador en todos los aspectos de tu proyecto, esto podría considerarse una notable excepción. ¿Cómo ocurrió? ¿Conocías al director del vídeo?

Sí, trabajamos mano a mano en el concepto y estuvimos intercambiando impresiones de cómo tenía que lucir el vídeo. La cosa es que yo ni soy director de vídeo ni un experto en la materia, sería una tontería que intentar hacer algo yo mismo. Hubiese muerto de estrés. Ser un freak del control también supone entender que en ocasiones tienes que hacer concesiones y delegar en otras personas que sean capaces de entender el tipo de ideas que tienes. Confiaba plenamente en el director, que ha hecho un trabajo fantástico, algo que yo nunca hubiera sido capaz de hacer.

 

Una vez dijiste en una entrevista que querías hacer música atemporal. Ahora que “Fjree Feather” y “Dagger Paths” ya tienen cuatro años, ¿crees que lo has conseguido?

Para mí, es complicado ser objetivo con esto y decir “sí” o “no”, pero lo que espero es que mis discos perduren para la gente que los escuche y que no suenen anticuados rápidamente. Me gusta pensar en que alguien podría descubrir esos discos dentro de 5 o 10 años y que todavía suenen frescos, o que alguien que los compró cuando salieron todavía los escuche.

Después de todas las críticas positivas que ha recibido “Engravings”, ¿todavía te viene a la cabeza la idea de dejar de hacer música?

Todo el rato. Creo que es muy saludable tener esta mentalidad. Podría decidir dejarlo en cualquier momento y creo que es algo muy liberador. No estoy atado a mi música ni obsesionado con la idea de ser músico a tiempo completo el resto de mi vida. Si me deja de hacer ilusión hacer música o tocar en directo entonces pararé y me dedicaré a otras cosas.

Sabemos que te gustan cosas pop como Sugababes o que has sido fan del punk y de bandas como Fugazi… ¿Qué estás escuchando últimamente? ¿Qué suena en tus auriculares?

Después de girar con Mogwai, me he pasado la última semana re-escuchando sus discos. Son todos fantásticos. Hace poco Lee “Scratch” Perry me hizo un remix, así que también he estado escuchando su discografía. En estos momentos no estoy escuchando mucha música nueva. No suelo estar al día con la música.

 

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